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        December 2002

        Popvisionen

        Links in die Zukunft

        by Klaus Neumann-Braun, Manfred Mai, Axel Schmidt

        So ungleich wie heute waren die Popjünger noch nie. Das Diktum der Neunzigerjahre, dass jeder eine Minderheit sei, ist im Pop auf ganz eigentümliche Weise wahr geworden: Jeder gehört einem anderen Stamm an, befolgt andere Spielregeln, hört andere Musik. Nur eines scheinen alle nach wie vor gemeinsam zu haben: Sie hängen an den alten Popmythen: Ablehnung des Spießertums, Lust auf Freiheit und ein unbändiger Erlebnishunger – im Netz und außerhalb des Netzes. Was aber stiftet in Zeiten der Globalisierung und Individualisierung Einheit im Pop-Dschungel? Lassen sich globalisierte und internationalisierte Szenen (Techno, HipHop) noch als lebensweltlich fundierte Gemeinschaften begreifen? Sind Szenen durch enorme Binnendifferenzierungen nur noch nominelle Quasi-Gemeinschaften? Wie werden kulturelle Differenzen vermittelt, wie fein sind die Unterschiede geworden? Welche theoretischen Konsequenzen hat die Entdeckung des einenden Prinzips der Distinktion?

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        February 2017

        Körpertreffer

        Zur Ästhetik der nachpopulären Künste

        by Diedrich Diederichsen

        Erst seit den 1960er Jahren widmen sich die Künste gezielt der technischen Klang- und Bildaufzeichnung. Wo vorher nur Slapstick und Surrealismus war, schießen nun Genres in großer Zahl aus dem Boden. Als behäbig erweist sich dabei eine Kulturkritik, die immer noch versucht, die Filme der Nouvelle Vague, das Cinéma Vérité, Punk, HipHop, Heavy Metal und Minimalismus, Fluxus, Performance Art, Pop Art, Nouveau Réalisme, Arte Povera, Soul-Musik und Concept Art entlang der Unterscheidung von E und U zu sortieren – als entweder hohe oder populäre Künste. In seinen Adorno-Vorlesungen zeigt Diedrich Diederichsen, dass ihr Gemeinsames viel entscheidender ist: das Bemühen, den verstörenden Effekt der Aufzeichnung und Wiedergabe von Körpern, Stimmen und anderen Realweltsplittern einzuarbeiten, zu verstärken, umzuleiten, der Kunst anzupassen oder die Kunst um den – sei es aggressiven oder zärtlichen – Effekt herum zu entwickeln. Im Lichte dieser Effekte von Phonographie und Photographie müssen alte Unterscheidungen über Bord geworfen und auch die Folgen von Kunst neu gedacht werden – egal, ob man Kinder schützen oder Erwachsene politisieren will.

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        Rise Up

        Voices of Today's Indigenous Music

        by Craig Harris

        The heartbeat of powwow/round dance drums and the melodies of wooden end-blown flutes have woven into a magnificent tapestry that includes Indigenous rock, blues, pop. jazz, country music, punk, classical, opera, hip-hop, rap, and electronica music. Picking up where my book, Heartbeat, Warble, and the Electronic Powwow (University of Oklahoma Press, 2014) left off, Rise Up brings together the autobiographical reflections of Native American Music Awards (NAMMY), Juno, Grammy, and Polaris Prize winners between 2015 and 2020. The genre’s top artists not only discuss their music but also their memories, heritage, day-to-day lives, and challenges of the COVID-19 pandemic. The very first volume about Native artists working commercially today, Rise Up presents artists speaking for themselves without being filtered through a stereotypical lens. Indigenous communities have been calling for self‐determination in self‐representation in their craft.  Rise Up answers that call.

      • The Arts

        What I See

        The Black Flag Photographs of Glen E. Friedman

        by Glen E. Friedman, Chuck Dukowski

        What I See: The Black Flag Photographs of Glen E. Friedman is an incredible compilation of all of Friedman’s most iconic and recognizable images (from 1980 to 1983), of this seminal American punk band, as well as over one hundred never-before-seen photos made during those phenomenal peak years in the group’s history. The book includes a foreword by Chuck Dukowski, a cofounder and bass player of Black Flag. Friedman’s own introduction to the book takes readers through his journey with the group, from the very first time he saw them play, to his perspectives on the music of the era, to the how, why, and what Black Flag were doing at the time. His words provide additional context to the imagery, explaining what drove him to create his art alongside the band. From the streets around Black Flag’s single-room home base/office, rehearsing for their first album, handing out flyers, wheat-pasting posters, driving for hours to a show and returning the same night, house parties, clubs, to the big stage and the beach, Glen E. Friedman was there with his heart, soul, and most importantly his camera. In What I See, he shares with us and inspires us with these images that were made over an incredibly volatile four-year time span.

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